Para explorar esta fascinante interseção entre performance histórica e educação musical moderna, conversamos com três músicos notáveis que têm dedicado suas carreiras a ensinar instrumentos medievais em contextos acadêmicos contemporâneos. Cada um deles traz uma perspectiva única sobre os desafios e recompensas de introduzir sonoridades antigas a uma nova geração de músicos.
Entrevista com Dr. Benjamin Bagby: Mestre da Harpa Anglo-Saxônica
Entrevistador: Dr. Bagby, como você aborda o ensino de um instrumento tão antigo como a harpa anglo-saxônica em um contexto educacional moderno?
Dr. Benjamin Bagby: É um desafio fascinante. Começo contextualizando o instrumento em seu período histórico, usando recursos visuais e sonoros para transportar os alunos mentalmente para a época anglo-saxônica. Em seguida, introduzo o instrumento físico, permitindo que os alunos o explorem tactilmente. A chave é criar uma conexão emocional e intelectual com o instrumento antes mesmo de tocar a primeira nota.
Além disso, utilizo narrativas históricas e lendas associadas à harpa anglo-saxônica para despertar o interesse dos alunos. Por exemplo, conto a história do poeta Caedmon, que supostamente recebeu o dom da música através de um sonho divino, utilizando uma harpa para compor seus hinos. Essas histórias ajudam a criar um contexto cultural rico que vai além da mera técnica musical.
Entrevistador: Quais são os maiores desafios que seus alunos enfrentam ao aprender a harpa anglo-saxônica?
Dr. Benjamin Bagby: O maior desafio é frequentemente mental. Muitos alunos vêm com preconcepções sobre música “antiga” sendo menos sofisticada ou relevante. Meu trabalho é desconstruir essas noções, mostrando a complexidade e beleza da música anglo-saxônica.
Tecnicamente, a postura e a técnica de dedilhado são desafiadoras, pois são muito diferentes das harpas modernas. Também há o desafio de entender e interpretar notações musicais antigas, que exigem um tipo diferente de leitura musical.
Para superar esses desafios, desenvolvi uma série de exercícios progressivos que abordam cada aspecto técnico individualmente. Por exemplo, começamos com exercícios simples de dedilhado que gradualmente aumentam em complexidade. Também utilizamos gravações de áudio e vídeo para que os alunos possam analisar e refinar sua técnica fora das aulas.
Entrevistador: Como você relaciona o ensino da harpa anglo-saxônica com a música contemporânea?
Dr. Benjamin Bagby: Faço questão de mostrar como as técnicas e sonoridades da harpa anglo-saxônica podem ser aplicadas em composições contemporâneas. Incentivo os alunos a experimentarem, a criar peças que fundem elementos antigos e modernos. Também exploramos como o estudo deste instrumento pode informar a interpretação de música de outros períodos. É surpreendente como o entendimento da música antiga pode trazer novas perspectivas para a performance de música de qualquer era.
Além disso, organizamos workshops de composição onde os alunos são desafiados a criar peças para harpa anglo-saxônica que incorporem elementos da música eletrônica ou técnicas de composição contemporânea. Este exercício não apenas expande a criatividade dos alunos, mas também demonstra a versatilidade e relevância contínua do instrumento.
Entrevista com Dra. Kathryn Montoya: Especialista em Instrumentos de Sopro Medievais
Entrevistador: Dra. Montoya, como você desperta o interesse dos estudantes por instrumentos de sopro medievais como a charamela ou o cornetto?
Dra. Kathryn Montoya: Minha abordagem é multissensorial. Começo com demonstrações ao vivo, permitindo que os alunos experimentem o impacto sonoro desses instrumentos. Em seguida, uso recursos multimídia para mostrar representações históricas desses instrumentos em arte e literatura. Também relaciono esses instrumentos com seus descendentes modernos, como o oboé ou o trompete, para criar uma conexão com algo familiar. O objetivo é mostrar que esses instrumentos não são apenas relíquias, mas parte de uma linhagem musical viva.
Adicionalmente, organizo visitas a museus de instrumentos musicais e oficinas de construtores de instrumentos. Isso permite que os alunos vejam o processo de fabricação e entendam a evolução dos instrumentos ao longo do tempo. Também convidamos músicos profissionais especializados para realizar masterclasses, proporcionando aos alunos a oportunidade de ver e ouvir esses instrumentos em ação em um nível profissional.
Entrevistador: Quais estratégias você utiliza para superar as dificuldades técnicas específicas desses instrumentos?
Dra. Kathryn Montoya: Desenvolvi uma série de exercícios progressivos que abordam os desafios únicos de cada instrumento. Para a charamela, por exemplo, focamos muito na embocadura e no controle da respiração. Com o cornetto, trabalhamos extensivamente na flexibilidade labial e na precisão da entonação. Uso também tecnologia moderna, como aplicativos de afinação e gravação, para ajudar os alunos a refinarem sua técnica. A chave é equilibrar o respeito pela tradição histórica com métodos de ensino contemporâneos.
Além disso, criamos grupos de estudo onde os alunos podem praticar juntos e aprender uns com os outros. Isso não apenas melhora suas habilidades técnicas, mas também os prepara para tocar em conjuntos, uma parte crucial da prática musical medieval. Também introduzimos técnicas de meditação e consciência corporal para ajudar os alunos a desenvolver a resistência necessária para tocar esses instrumentos exigentes.
Entrevistador: Como você integra o estudo desses instrumentos ao currículo musical mais amplo?
Dra. Kathryn Montoya: Faço questão de mostrar como o estudo de instrumentos medievais pode enriquecer a compreensão geral da música. Exploramos como as técnicas de sopro medievais influenciaram o desenvolvimento de instrumentos modernos. Também analisamos como as estruturas musicais medievais se relacionam com formas contemporâneas. Além disso, incentivo colaborações interdisciplinares, trabalhando com departamentos de história e literatura para contextualizar a música em um panorama cultural mais amplo.
Um projeto particularmente bem-sucedido foi uma colaboração com o departamento de teatro, onde os alunos criaram e executaram música para uma produção de uma peça medieval. Isso não apenas proporcionou uma experiência prática valiosa, mas também mostrou como a música medieval pode ser relevante e impactante em um contexto performático contemporâneo.
Entrevista com Prof. Jordi Savall: Mestre da Viola da Gamba e Educador
Entrevistador: Prof. Savall, como você adapta seu vasto conhecimento de música antiga para o ensino em conservatórios modernos?
Prof. Jordi Savall: Minha abordagem é baseada na ideia de que a música antiga não é um objeto de museu, mas uma arte viva. Nas minhas aulas, combino o rigor histórico com a liberdade criativa. Ensino os alunos a ler notações antigas e a entender as práticas de performance históricas, mas também os encorajo a trazer sua própria sensibilidade moderna para a interpretação. Uso muito a improvisação, uma prática central na música medieval, como uma ponte entre as tradições antigas e a expressão musical contemporânea.
Uma parte importante do meu método é expor os alunos a uma ampla variedade de estilos e repertórios. Não nos limitamos apenas à música europeia; exploramos também as conexões entre a música medieval ocidental e as tradições musicais do Oriente Médio e do Norte da África. Isso ajuda os alunos a entender a música medieval em um contexto global e a apreciar as trocas culturais que ocorreram durante esse período.
Entrevistador: Qual é o papel da tecnologia em suas aulas de instrumentos medievais?
Prof. Jordi Savall: A tecnologia é uma aliada poderosa. Utilizamos softwares de notação musical para transcrever e analisar manuscritos antigos. Gravações de alta qualidade nos permitem estudar nuances de interpretação que seriam impossíveis de capturar de outra forma. Também usamos plataformas online para conectar alunos com músicos e estudiosos de todo o mundo, criando uma comunidade global de entusiastas da música antiga. No entanto, sempre enfatizo que a tecnologia é um complemento, não um substituto para a prática diligente e a experiência direta com o instrumento.
Recentemente, começamos a experimentar com realidade virtual para recriar ambientes acústicos históricos. Por exemplo, podemos simular como uma peça soaria em uma catedral medieval ou em um salão de um castelo. Isso não apenas enriquece a experiência de aprendizado, mas também ajuda os alunos a entenderem como o ambiente acústico influenciava a composição e a performance na época medieval.
Entrevistador: Como você vê o futuro do ensino de instrumentos medievais em instituições de ensino superior?
Prof. Jordi Savall: Vejo um futuro promissor e em expansão. Há um interesse crescente em música antiga entre os jovens músicos, que estão buscando novas formas de expressão e conexão com o passado musical. Acredito que veremos mais programas interdisciplinares, combinando música antiga com outras áreas como história, arqueologia e até ciência da computação para reconstruções sonoras. Também prevejo um aumento nas colaborações entre departamentos de música antiga e contemporânea, criando formas de fusão musical. O desafio será manter o equilíbrio entre a autenticidade histórica e a relevância contemporânea.
Uma tendência que estou particularmente entusiasmado é o crescente interesse em usar a música medieval como uma ferramenta para o entendimento intercultural. Ao estudar as trocas musicais que ocorreram durante a Idade Média, podemos aprender lições valiosas sobre diálogo cultural e coexistência que são extremamente relevantes no mundo globalizado de hoje.
